PSYCHO

Hoy terminé de ver Psycho de Alfred Hitchcock. Sí, tardé un tiempito en verla. Tuve muchas oportunidades para mirarla, pero nunca quise hacerlo. Como decía Borges sobre las obras maestras probablemente todavía no estaba hecha para mi.

Quedé como loco! Me pareció sencillamente magnifica. La puesta en escena, la muscacilización, la dirección de actores, la dirección, los dialogos, la vuelta de tuerca nunca totalmente anunciada. La pequeña bajada de línea de aceptación a los travestis.

Esta película se estrenó en 1960 y es tan plano a plano se hace muy notorio todo lo que le han robado a este magnífico director de cine, que supo convertirse en un verdadero autor de películas.

Uff, que forma de trasmitir misterios, sin elementos reales para hacerlos, o por lo menos con elementos muy distintos a los usados en esta era. Probablemente Guillermo del Toro, director de El Laberinto del Fauno, allá mirado con verdadero detenimiento las películas de Hitch. Quizás también lo hicieron algunos de los directores nipones más interesantes del momento. Quizás también lo hizo Alejandro González Iñárritu, pero se durmió mientras veía las mejores películas del gordo fumador de habanos.

Les dejo un beso, también un abrazo! Facu Lozano

Una de las peores películas que vi en mi vida.

Me aburrí como nunca, cero entretenimiento. Se desaprovechan buenos actores y montones de billetes verdes.

Todos los lugares comunes juntos.

Mi amigo Roberto me dijo: "Lo peor es que es la película de un mexicano-por González Iñárritu- que piensa como un yanqui". Uff!!!

Ni hablar de la música del "amigo" Gustavo Santaolalla. Seguramente todo lo que estoy criticando será galardonado con un Oscar de la Academia...(Por cierto: Academia de qué?)

Le darán mejor música. Mejor guión, si es que no se lo gana Secretos Intimos(Un fiasco peor y más facho) y probablemente mejor película.

Teniendo V de Venganza, porque hay que premiar BABEL, LITTLE CHILDREN(secretos intimos) o Los Infiltrados?!!!

Mejores canciones

Hace pocos días confeccioné unas listas con las canciones que este servidor(para nada humilde) consideraba determinantes en el correr del 2006. Más sencillo? Hice un top ten con las mejores canciones internacionales y un top five con las nacionales. Fue muy difícil, me tomé el trabajo en serio. No se si salió bien, pero lo publico para que vean, compartan o disientan, pero sobretodo para que escuchen las canciones que no escucharon.

INTERNACIONALES

CANCIÓN BANDA DISCO

10-Futures - Zero 7 - The Garden

9- Yeah Yeah Yeah Song - Flaming Lips - At War with the Mystics

8- Asilos Magdalena- Mars Volta - Amputechture

7- The Eraser- Thom Yorke - The Eraser

6- When the sun goes down - Artic Monkeys - What ever people say i'am that's what i'm not

5- Long Distance Call - Phoenix - It's never been like that

4- What you know - TI- The King

3- Smile- Lily Allen - Alright, Still

2- Crazy - Gnarls Barkley - St. Elsewhere

1- MY LOVE - JUSTIN TIMBERLAKE- FUTURESEX/LOVESOUNDS

NACIONALES

5- Por descarte - Lucas Martí - Tu Entregador

4- Que mala suerte- Coiffeur - No es

3- Confundido - Los Auténtico Decadentes

2- Mi vida es un vestido - Gabo Ferro - Todo lo sólido se desvanece en el aire

1-ENAMORADO - NORMA- ROCK 2 TONOS

Aquí está mi elección de canciones. Mi criterio no es amplio en lo más mínimo, aunque parezca. Simplemente busco buenas canciones. Características: Estructuras melódicas o armonicas fuera de lo común, originale, llamativas, clásicas o bien construidas. Recuerden que una gran canción puede estar dentro de un pesimo disco. Claramente elegir tracks, no es lo mismo que elegir un disco. Básicamente porque el disco o Larga Duración es una obra completa, entera, conceptual en algunos casos y si bien hay canciones que pueden definir un disco, estas se defienden solas, más allá de cualquier prejuicio ideologico o artístico.

Sepan que todos los discos que nombro en la elección están editados en el país.

Para el próximo posteo prometo mi top ten de películas que se estrenaron este año.

Besos y abrazos, Facu Lozano

Fa fa fa(Sad Song)

Murió James Joseph Brown, o sea James Brown, o El Padrino del Soul, o El Hombre más trabajador de la industria, o The Sex Machine.

Yo no se a cuanta gente le interesará esto, pero les aseguro que Brown fue uno de los referentes más importante en la historia de la música popular. No solo por habre creado el funk y resignificado el R&B, sino por el tipo de influencia que ejerció sobre las generaciones que lo sucedieron.

Claro que se conocen algunos hecho poco felices de su vida: acusaciones de abuso sexual y algunas otras, pero son situaciones en las que cayó.

Más allá de esto Brown fue un artista comprometido, a nivel social, y a nivel de producción o evolución personal y artística. La verdad es que estoy aislado en un pueblo cerca de La Pampa y no me enteré de peor noticia que esta.

No quiero convercer a nadie de nada, pero sepan que uno de sus discos emblemáticos, Live at the Apollo, de 1964 está editado en Argentina y les romperá la cabeza...o al menos les dará alguna idea de la grandeza de este ícono de la historia musical.

Luto,congoja, tristeza, nostalgia y mucho soul...

Facu Lozano

El Spinetta de la foto debería leer al del texto

MANIFIESTO
ROCK: MÚSICA DURA,
LA SUICIDADA POR LA SOCIEDAD.

Son tantos los matices que comprenden la actitud creativa
de la música local – entendiendo que en esa actitud existe
un compromiso con el momento cósmico humano–,
son tantos los pasos que sucesivamente deforman
los proyectos, incluso los más elementales como ser
mostrar una música, reunir mentes libres en un
recital, producir en suma algún sonido entre la maraña
complaciente y sobremuda que:

EL QUE RECIBE DEBE COMPRENDER
DEFINI TI VAMENTE QUE LOS PROYECTOS EN
MATERIA DE ROCK ARGENTINO
NACEN DE UN INSTINTO.

Por lo tanto: el Rock no le concierne a ciertas músicas que
aparentemente INTUIDAS POR LAS NATURALEZAS
DE QUIENES LAS EJECUTAN siguen guardando
una actitud paternalista, tradicional en el sentido enfermo
de la tradición, formulista, mitómana, y en la última
floración de esta contaminación, sencillamente
“facha”.

Sólo en la muerte muere el instinto. Por lo tanto, si éste se
mantiene invariable, adjunto a la condición humana a la que
necesitamos modificar para reiluminarnos masivamente,
quiere decir que tal instinto es la vida.

El Rock no es solamente una forma determinada de ritmo
o melodía. Es el impulso natural de dilucidar a través
de una liberación total los conocimientos profundos
a los cuales, dada la represión, el hombre cualquiera no
tiene acceso.

El Rock muere sólo para aquellos que intentaron siempre
reemplazar ese instinto por expresiones de lo superficial, por
lo tanto lo que proviene de ellos sigue manteniendo
represiones, con lo cual sólo estimulan “EL CAMBIO”
exterior y contrarrevolucionario. Y no hay cambio posible
entre opciones que taponan la opción de la
liberación interior.

El Rock no ha muerto.

En todo caso, cierta estereotipación en los gustos de los
músicos debería liberarse y alcanzar otra luz.
El instinto muere en la muerte, repito.
El Rock es el instinto de vivir y en ese descaro y en
ese compromiso.
Si se habla de muerte se habla de muerte, si se habla
de vivir, VIDA.
Más vale que los rockeros, cualesquiera sean sus tendencias
(entre las cuales dentro de lo que se entiende por
instinto de Rock no hay mayores contradicciones) jamás
se topen con los personajes hijos de puta demonios
colaterales del gran estupefaciente de la represión
que pretende conducirnos por el camino de la
profesionalidad.

Porque en esa profesionalidad se establece
–y aquí entran a tallar todas las infinitas contusiones
por las que se debe pasar hasta llegar a dar–
un juego que contradice a la liberación, que pudre el
instinto, que modifica como un cáncer incontenible
la piel original de la idea creada hasta hacerla, en
algunos casos, pasar a través de un tamiz en el que la
energía totalizadora de ese nuevo lenguaje abandona la
sustancia integral que el músico dispuso por instinto en su
momento de crear, y luego esa abortación está presente en
los escenarios, en la afinación, hasta en la imagen
exterior del mensaje cuando por fin se hace
posible verlo.

Tengo conciencia de que el público ve esta debilidad y
no se libera: sufre.
Luego esta ausencia de totalidad, esa parcialidad, es el negocio
del Rock.
El negocio del cual viven muchos a costa de los músicos,
poetas, autores, y hombres creativos en general. O
sea, esta difamación de proyectos sólo adquiere
relieve en esa “ganancia” que representa haber ejecutado el
negocio, y solamente en ese nivel hay una aparente eficacia.
Es la parcialidad de pretender que algo que es de todos
termina en definidas cuentas en manos de aquellos
bastardos de siempre.

Este mal, por último rebote, cae nuevamente
en la nuca de los músicos, y los hace pelota.
Luego de participar del juego, son muy pocos los que aun
permanecen con fuerzas para impedir la trampa al repetir
una y otra vez el juego mediante el cual expresarse,
o simplemente arriesgar en el precipicio de
la deformación un mensaje que por instintivo es puro
y debería llegar al que lo recibe tal cual nació.
Este juego pareciera ser el único posible
(hay mentalidades que nos fuerzan a que sea así).
Lo importante es que hay otros caminos.

Luego de haber caído tantas veces antes de ejecutar
esa caída final, parábola definitiva en la que se cierran los
cerebros para no amar ni dar, hay muy pocos
músicos que pueden seguir conservando ese instinto.

DENUNCIA
SIN EL LIMITE DE LA DENUNCIA
A LO QUE NO RECIBE DENUNCIA
A LO QUE LA DENUNCIA TRASPASA
A ALGO PEOR QUE LA DENUNCIA MISMA.

Denuncio a los representantes y productores en general,
y los merodeadores de éstos sin excepción,
por indefinición ideológica y especulación comercial.

Ya que estos no se diferencian de los patrones de empresa
que resultan explotadores de sus obreros. O sea, por
ser los engranajes de un pensamiento de liberación
a quienes no les interesa que toda la pieza se mueva, dado
que al producirse el más mínimo movimiento, serían los
primeros en auto reprimirse y dejarían por tanto
de participar en “la cosa”.

Denuncio a ciertas agrupaciones musicales que se alimentan
con esas mentalidades no libres, a pesar de contar con
el apoyo del público de mente libre.

Denuncio a otros grupos musicales por repetitivos y
parasitarios, por atentar contra la música amplia y
desprejuiciada, estableciendo mitos con imágenes calcadas
de otras músicas que son tan importantes como las
que ellos no se atreven a crear ti sentir.

Denuncio a los tildadores de lo extranjerizante porque
reprimen la información necesaria de músicas y actitudes
creativas que se dan en otras partes del planeta, y
porque consideran que los músicos argentinos no pueden
identificarse con sentimientos hoy día universales.
Además es de prever que si estos señores desconocen
que la Argentina provee a su música nuevos contenidos
nativos, ellos mismos están minimizando la riqueza
de una creación local apenas florecida.

Denuncio a otras mentalidades por elitistas
y pronosticadoras del suceso de la muerte de algo que por
instintivo no puede morir antes de la vida misma.
Denuncio a las editoriales “fachas” por distribuir
información falsa en sí misma y por deformar
la información verdadera para hacerla coincidir con las
otras mentalidades a las que denuncio.

Denuncio a los participantes de toda forma de represión
por represores y a la represión en sí por
atañir a la destrucción de la especie.
Denuncio finalmente a mi yo enfermo por impedir que mi
centro de energía esencial domine este lenguaje al
punto de que provoque una total transformación
en mí y en quien se acerque a esto.

El rock, música dura, cambia y se modifica,
en un instinto de transformación.

LUIS ALBERTO SPINETTA, SEPTIEMBRE DE 1973

Lo mejor del 2005, del 2006 y probablemente del 2007

Rock 2 tonos

Se llaman Norma, pero no por una mujer sino en alusión a una regla. Acumulan críticas positivas en cada lugar que tocan. Y todo con dos tonos.

Menos es más, ésa es la consigna de un grupo de la ciudad de La Plata, que poco a poco va ganando su público en el resto del país y el apoyo de la prensa especializada. Ellos se llaman Norma y están presentando su primer disco “Rock 2 Tonos” y el título, justamente, hace alusión a esa economía de recursos musicales, a la búsqueda de focalización, de inmediatez.
La banda tiene un formato clásico- dos guitarras, cantante y batería- sin embargo, entre el compositor y voz líder, Chivas Argüello, y Gualberto Da Orta, primera guitarra, se encuentra su marca característica.
Las influencias son muy claras, se encuentran en el movimiento post punk y new wave de fines de los fines del 70’ y principios del 80, bien sincopado y rítmico representado por la banda inglesa Wire- sus favoritos-, por los Talking Heads de David Byrne, Television, The Police y Devo, por nombrar algunas.
A pesar de que visitar esa época se está volviendo rutina- veáse Franz Ferdinand, Mäximo Park o Artic Monkeys- los vestigios de Wire no se escuchan con asiduidad en Argentina y quizás por eso o por la forma personal de procesar esos sonidos Norma se escucha original y novedosa.
Su disco tiene mucha relación con la cultura punk como canciones con crítica al capitalismo, al trabajo infantil y a la frivolidad (Chalet y Niños), pero también una invitación a la progresión tanto intelectual como escolástica (Educación) ya que en Diamantes gritan casi como premisa “no te quedes dormido en la tumba de diamantes”, queriendo decir que no te quedes dormido en los laureles.
La forma de tocar del grupo, tan rítmica, los convierte en la verdadera aplanadora del rock. Encima, Chivas Agüello, canta como con un híbrido entre un cantante al que le gusta de Wire y Moura de Virus, con una voz medio “atontada”, que le da un tono de parodia a las composiciones.

Kind of Blue

El 28 de septiembre se cumplieron exactamente 15 años de la muerte de uno de los artistas más innovadores e influyentes de la historia de la música. Hay que remarcar su nivel de influencia porque su carrera la hizo de la mano de un género poco popular como es el jazz. Miles Davis nos dejó hace una década y media, en 1991.

Miles Davis siempre estuvo en las antípodas de lo que sucedía en las composiciones de sus colegas. Muchos lo ubican como alguien que siempre estuvo a la vanguardia de todo y de todos.
Esto es, porque cuando estaba en boga el tradicional y algo aburrido dixieland, tan bailado en Argentina, el se pasó a las primeras evoluciones de arregladores como Duke Ellington, cuando la histeria experimental del be bop, de Dizzie Gillespie y Charlie Parker, hacía estallar los sucuchos de jazz en los barrios de Nueva York y llegaban hasta Francia, él comenzaba a imponer su nombre y un nuevo estilo denominado cool que se caracterizaba por absolutamente todo lo contrario, relajación, generación de ambientes y pocas notas. Por último, cuando tenía consolidado otro estilo, el jazz modal, que era como el cool pero más improvisado y tocaba con músicos como John Coltrane y Bill Evans decide deformar su arte a un nivel tal que era difícil de digerir con otros grandes intérpretes como Chick Corea, Herbie Hancock y John Mclaughlin, entre otros.
Tranquilamente, alguien con ganas de conocer la historia del jazz más moderno y sin muchas ganas de leer, podría leer alguna biografía de Miles y así conocer casi todos los estilos desde la década del 40 hasta los 90 y su cruce con el rap.

Ahora, hay datos revelados por sus conocidos y también por el mismo Davis en su autobiografía que nunca fueron tomados en cuenta.
A excepción de su negación a tocar dixieland, sus demás movimientos de “vanguardia” no lo son tanto.
Por ejemplo, el no habría dejado tocar be bop, porque no le gustaba y querría crear otro género, sino porque era malo en eso. Se perdía con la rapidez de las notas, no podía seguir ese ritmo sincopado y acelerado al máximo lleno de improvisación pero a mil por hora. Entonces, sus primeros grandes discos, Birth of cool (Brisa de frescura 49’)- pope de su estilo relajado- y Kind of Blue (Algún tipo de tristeza 59’), llegaron por sus limitaciones, que se convirtieron en sus virtudes.
El otro ejemplo, es su radical cambio radical en 1969, cuando saca Bitches Brew, armado de una especie de big band(gran banda) de gente loca, deforme y con ganas de hacer música rara.
Pero aquí también error en la historia, y esto sí confirmado, el nunca quiso hacerse el revolucionario, todo lo contrario. Miles Davis intentaba emular a los artistas de funk y soul psicodélico, como Sly Stone, para poder vender su misma cantidad de discos.Esto es Miles Davis, un tipo que sin quererlo fue vanguardista e hizo música que a nadie se le ocurrió y sin quererlo también fue el padre de todos los artistas, roqueros o no, jazzeros o no, que quisieron romper estructuras y ser verdaderos revolucionarios.